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El desarrollo de Ascension contado desde dentro: decisiones, errores y avances.
El Frost Wyrm es el primer jefe de Ascension con el repertorio completo: seis ataques, cada uno con su preparación y su recuperación. Entre la primera prueba y el vídeo hay diecisiete versiones, y la mayoría se cayeron por detalles que nadie debería notar.
En septiembre escribí que si algún día el slime necesitaba otro cuerpo, se le cambiaba el cuerpo. Tres semanas después lo necesitó. Esta es la segunda vida del primer enemigo del juego, y lo que costó hacer que un gel se mueva como un gel.
Un lobo no corre acelerando su paso. Anda, trota y galopa con coordinaciones distintas, y las tres están animadas aparte. Ciento veintiocho animaciones después, el aullido llama a la manada, pero sólo cuando queda solo y herido.
Cada monstruo del códex deja una carta: una ilustración propia, un marco que es interfaz y no dibujo, y un texto que dice qué pasa, cuándo y hasta dónde. Doscientas cincuenta y tres, todavía en propuesta.
El concepto es del 8 de junio, la misma madrugada que el de Leo. Esperó cuatro meses a que existiera una cadena de producción, y cuando existió tardó día y medio en estar animado y peleando.
Reposo, marcha, carrera, dos cortes, salto, evasión con escudo, derrota. El catálogo completo corriendo dentro de Godot, a escala de juego y a velocidad real, y la mitad ejecutado con el mando y no reproducido.
Hace dos semanas escribí que lo correcto era repartir los trabajos: el 3D mueve, el 2D dibuja. Estaba equivocado. La respuesta era dejar de parchear.
Durante meses el primer enemigo de Ascension fue un hexágono verde con una cuña roja. Así se le construyó el cerebro antes que el cuerpo, y así llegó después el cuerpo: nueve animaciones en ocho direcciones.
El modelo en tres dimensiones estaba terminado y aun así no encajaba en pantalla. La salida no fue elegir entre 3D y 2D, sino repartir los trabajos: el 3D mueve, el 2D dibuja. Setenta cuadros repintados uno a uno para un solo ciclo de andar.
Empezó como un problema de nitidez y acabó siendo la decisión más cara del proyecto: cuánto debe medir el personaje en pantalla. En vez de elegirlo a ojo, medí Terranigma y Eastward píxel a píxel.
Una línea nueva con su propio acabado, ocho direcciones que son rumbos y no lados, y un desenvaine que se rechazó una vez por deformar el brazo pese a haber pasado la revisión técnica.
Treinta y un segundos de papel, hilo dorado y luz de vela. El mundo de Ascension no se presenta con un mapa: se presenta con un libro que se abre solo.
Elyndor se reparte en tres capas y cada una tiene su propio mapa dibujado. Así se ven la superficie, el cielo y el subsuelo, y para qué sirven además de ser bonitos.
Del códice de 253 monstruos, diez de diez familias distintas. Qué son, cómo pelean y por qué a ninguno hace falta matarlo.
Rehacer a Leo en tres dimensiones para que cada animación nueva salga de la misma fuente. Costó tres hojas de turnaround, y las comprobaciones automáticas encontraron dos fallos que a ojo no se ven: 79 clips flotando y la barbilla apuntando al cielo.
Tres meses, tres reconstrucciones y una docena larga de revisiones. Todos los intentos por los que ha pasado el protagonista de Ascension, incluidos los que no sobrevivieron, hasta el diseño que se queda.
253 monstruos, 22 mazmorras, 110 armas y 51 eventos de guion existen en papel antes de que exista el juego. Esta es la razón, y lo que me ha costado.
El escenario donde empieza el prólogo pasó por una aldea, un rediseño entero y tres pasadas de acabado. Esta es la evolución del trabajo, versión a versión.
La última pasada sobre la ciudadela no toca el acabado: cambia el contenido. Caballeriza y gallinero al oeste, rejas en las puertas y siete puestos abiertos donde había talleres cerrados.
El diseño llevado a arte final, de frente y de perfil, con la espada y el escudo integrados. A partir de aquí Leo deja de ser una referencia y se convierte en la fuente de todo lo demás.
Decidí que pasar de pantalla fuera pasar una hoja. Esa sola decisión acabó definiendo la pausa, el guardado, los capítulos y la voz que narra todo el juego.
Generé el busto de diálogo de Leo a partir del sprite del juego, donde la cara ocupa unos diez píxeles. El generador se inventó un rostro, y le salió semirrealista. La lección obligó a dibujar el diseño que manda sobre la cara.
El diseño estaba; faltaba pintarlo a la resolución a la que se juega. Ahí apareció el trabajo de verdad: tramos nítidos junto a tramos emborronados, sombras pintadas que el motor no puede mover, y una lista de errores sueltos.
El problema no era la calidad: era que el recinto tenía una única puerta al sur. Un escenario puede ser precioso y estar mal conectado. Este lo estaba, y el mapa del mundo lo delataba.
Con las piezas medidas se montó el primer recinto completo, con física, colisiones, cámara y vecinos. Funcionaba. Y aun así hubo que tirarla.
El primer intento del sitio donde empieza el juego no fue un escenario: fue un kit de piezas. Una muralla, una torre, dos casas, un pozo. Y Leo en un rincón, porque todo se mide contra él.
Del concepto al sprite. El sistema que convierte un personaje en hojas de ocho direcciones ya funcionaba, y Leo fue el primero en pasar por él: con este Leo se jugó el prólogo por primera vez.
El concepto con el que arrancó todo, y el problema que tardé en ver: estaba dibujado para una imagen fija, no para un juego que tiene que animarlo en ocho direcciones.